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Carolina Reyes Torres

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Estaba en sedasocial, pero se acabó, entonces un nuevo comienzo. Soy profe y escribo críticas y crónicas I am a teacher and I write reviews and chronicles. 🌉 bridged from ⁂ mastodon.social/@CarolinaReyesTorres, follow @ap.brid.gy to interact

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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 18/10/2026
Háganse un favor y vean esta muy buena entrevista de Javier Bello a la poeta Soledad Fariña :) www.youtube.com/watch?v=aQnZsKPteQM
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 15/10/2026
Bronca urbanista y grúas torre en este poema :) carolinareyes83.substack.com/p/grua…
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 14/10/2026
Hola a tod@s aquí les dejo mi nueva reseña del libro "Hotel Celine" del poeta y traductor Armando Roa Vial :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
Hotel Celine de Armando Roa Vial: Una patria literaria despojada
Han pasado 23 años de la publicación de _Hotel Celine_ (2003) el sexto libro del poeta, traductor y abogado Armando Roa Vial. En este volumen la instalación fantasmagórica de este Hotel –lugar de transito espacio liminal del habitar humano- con el apellido “Celine”, que pensamos hace alusión al escritor francés Louis-Ferdinand Céline, el autor de _Viaje al fin de la noche_ (1932) que tiene uno de los retratos más pesimistas y certeros de la primera guerra mundial y sus ecos durante los años 20, acompaña desde el nombre a la obra. **El poemario comienza con la sección llamada “Habitaciones”,** aquí cada texto viene precedido del número del cuarto y luego el título correspondiente. Lo inaugura el poema “Desde la habitación 24: Henry David Thoreau y su amada”. Aquí la voz y su pareja hacen un recorrido que comienza por el bosque, donde su periplo está lleno de esperanza: “En el atardecer de nuestras vidas, se nos dijo, / seriamos juzgados por el amor. / Así, después de cercenar las malezas, / nos internamos en el bosque.” (p13) y termina en el arribo al Hotel Celine, en este lugar esa emoción primera comienza a teñirse de sombrío pesimismo: “[…] aquí, el hotel Celine, / entre muros indecisos humillados por la hierba […] / Difícil es acostumbrarnos a nosotros mismos” (´p14) Armando Roa Vial fotografía de Camilo Brodsky A esta intertextualidad se suma el diálogo con Fernando Pessoa y su heterónimo Ricardo Reis, al igual que con Eliot. Sobresale el poema “Desde la habitación 66: Epifanía de Jaco Pastorius”. Pastorius es uno de los próceres del bajo eléctrico contemporáneo y creador de su versión _fretless_ , es decir sin trastes, que le da un sonido dulce y cálido al instrumento y lo vuelve un poco más pariente del contrabajo clásico. Jaco fue un destacado músico de jazzrock, que lamentablemente padecía de problemas psicológicos y adicciones, sufriendo una muerte violenta producto de una riña callejera. El hablante es el propio bajista y sus reflexiones: “Que la música sea limpia como la muerte / deshollinando las tinieblas de cuanta soledad / recala sobre mi pista de baile” (p21). Nos parece muy interesante este Jaco existencialista en torno a su arte, ese otro lenguaje de sonidos. El crítico literario Ismael Gavilán define qué tipo de música poética interpreta Roa en sus libros: “No, no es “música verbal” el sustento de la poesía de Roa Vial, sino lo que podríamos denominar “música conceptual”: claramente el tono perentorio que se aprecia en sus disquisiciones autoreflexivas, radican en un universo lingüístico que no se presta necesariamente a evocaciones de inmediatez sentimental.” (Gavilán 102). Y es esta música conceptual que también queda demostrada en este poema con las reflexiones finales de un Pastorius a punto de despuntar su propio fin: “[…] música más allá de la música / espuma divina para un dios sin término” (p21). En estas alcobas seguimos teniendo otros encuentros con; Ivan Karamazov, un lugar creado por el escritor Thomas Hardy, _En busca del_ _tiempo perdido_ de Proust, el personaje Gregorio Samsa de Kafka o el poeta inglés Basil Baunting. Lo que genera un arbolado de lecturas que son nuevos disparadores creativos, que a su vez, pergeñan nuevos textos en un movimiento sinérgico y de conexión con el pasado literario universal que recrea el escritor. Jaco Pastorius Nos interesa también el poema que lleva por título “Desde la habitación 323: Un traductor anónimo de la elegías de Exeter”. _Las elegías de Exeter_ es un compendio de poesía anglosajona del año 1000 D.C. y el texto poetiza sobre un tema que nos parece original; el rol del traductor, así el hablante entiende la dificultad del oficio, un esfuerzo delegado hacia otros y no a sí mismo: “Digo: traducir es entregar el rostro y la sed: / persistir huyendo y huyéndome. / Entregar mi graznido a otros cuervos, / mis amores a otras sangres / mis agonías a otras muertes.” (p30) Lo declara “un oficio antiguo y peligroso” (p30), se respira en el poema la frustración de la imposibilidad de lograr el traspaso total de un idioma a otro. Ese momento en que siempre algo del texto fuente quedará atrapado en algún giro del lenguaje no pudiendo llegar completamente al texto meta. Se cierra esta sección con “Desde la habitación 27: Ezagramas” un poema que alude escoradamente al poeta estadounidense Ezra Pound, tan caro a los intereses de Roa Vial, habida cuenta de las traducciones que ha realizado sobre el bate norteamericano entre esas la antología _Cántico del sol_ (2015). En este texto la voz señala a un otro en diferentes momentos de su vida hasta que la narración se torna oscura: “La máscara histriónica ha quedado atrás. / Ahora, en la casa de los locos, / bajo la nube silenciosa de una mueca, / afloja su corazón / de artesano con el cincel enmohecido […]” (p37-38). La cita hace alusión al período más difícil de Ezra Pound cuando fue sentenciado por alta traición en EE.UU luego de su participación en los medios de comunicación italianos agitando y defendiendo al gobierno de Mussolini durante la Segunda Guerra Mundial. Su sentencia de muerte fue conmutada al encarcelamiento en un centro psiquiátrico durante 12 años. Ezra Pound **En la segunda sección** **intitulada “Objetos y paisajes del Hotel Celine”** los poemas hacen referencia a cosas y sitios dentro de la hostería. Sobresale una escoba que habla de su pasado y sus amores: “De que tuve mis amores, los tuve. / Pero de eso hace mucho. / Ahora solo el olvido me remienda-no sé si antes de tiempo-. / La alegría es ya un privilegio indefendible” (p51). Épocas antiguas donde la felicidad estaba mucho más a la mano. La escoba recuerda el tiempo en donde fue nueva y podía hacer las labores de buena manera ahora todo es más difícil: “he terminado en esto: un manojo desarticulado de palmitos” (p51) lo que se le suma una incertidumbre de su final: “¿Me atizaran en el fuego?”(p51). Dentro de este apartado también existen algunos caligramas –poemas visuales que se disponen como un dibujo que tiene relación con el tópico del texto- sobresale uno llamado “Un crucifijo” y su disposición es la siguiente: La imagen es elocuente y genera una polisemia de interpretaciones: una puede ser en relación a la metáfora cristiana sobre el Mesías: “Y el verbo se hizo carne y habito entre nosotros” (Juan 1: 14) y como resultado al ser Cristo una palabra viva que continuó el plan divino muere en la cruz según el relato bíblico. Pero también podría ser el vía crucis de la creación poética, la imposibilidad de la completitud de sentido. Las palabras naufragan, mueren en harás de dar el significado que el poeta quiere entregarles, pero esto nunca se logra del todo. Siempre hay un resto al que no se puede llegar, fallecen a medio camino, como en la labor del traductor recalando en zonas grises en donde nunca se encontrará completamente su significación al traerlas a nuestra lengua. Paul Celan **En el tercer apartado** **llamado “De un suicidario encontrado en el Hotel Celine”** se inicia con un poema corto para Paul Celan, escritor rumano judío que vivió las atrocidades de los campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial. De forma paradojal la lengua que ocupaba Celan para escribir su poesía era el alemán. Después de vivir muchas crisis psicológicas terminará con su vida lanzándose al río Sena. La voz poética lo señala en “Paul Celan. In memorian”: Que estamos solo, desamparados, que la ansiedad y el hastió nos ordeñan la sangre, que trabamos amistad con la muerte para dejar morir. Paul Celan lo sabía. Y lo escribió en el Sena. (p65) El suicidario que nos parece un pariente lejano del sidario, es un lugar donde la gente va a morir, en este caso por mano propia. Existen casos bastante famosos de personalidades que deciden terminar sus vidas en hoteles, uno de los últimos ejemplos fue el del cocinero estadounidense Anthony Bourdain que tomó esta trágica decisión en un hotel en Francia. En este punto del libro se exacerba el sentimiento de desarraigo y melancolía que contiene gran parte del volumen. La angustia de la soledad existencial representada por ese poeta rumano exiliado, arrestado, sobreviviente de los campos de exterminio y huérfano –pues sus padres no sobrevivieron- y vuelto a la sociedad tratando de sobrellevar haber presenciado el horror en primera persona, es una representación perfecta de esta vivencia del despojo. En esta misma línea también hay un texto intitulado “El hombre del puente. In memorian John Berryman” para el poeta norteamericano John Berryman, miembro ilustre de la poesía confesional estadounidenses de mitad del siglo XX. El sufrimiento aquí sigue siendo existencial aunque por otras razones, dicen los biógrafos de Berryman que una vez cuando niño al volver de la escuela fue la primera persona que encontró a su padre muerto en su casa. Esta herida traumática lo lacerará durante los 57 años en que resistió el dolor en este mundo, luego de lo cual decidió partir de este plano lanzándose desde un puente. John Berryman En esta sección también encontramos un intertexto con la tradición poética chilena en el poema “A salvo por Omar Cáceres” en donde se hace mención a Omar Cáceres, poeta con una sola publicación titulada _Defensa del ídolo_ (1934) con prólogo de Vicente Huidobro. Cáceres fue considerado un poeta talentoso muy cercano a las vanguardias que sufre una prematura muerte violenta cerca de un arroyo en Renca, dicen que lo encontraron con la cabeza rota y sin dinero en los bolsillos, lo que inaugura el mito trágico y maldito. En el poema se entrelaza la idea de la muerte que ronda mientras se intenta crear poéticamente: “Cuando la vida se acerca cada vez menos / también se puede enmendar la atmosfera cerrada del poema” (p73). La pulsión de muerte con la pulsión creativa van hermanadas en el devenir vital de cada creador. **Cierra el libro con “Coda: Vladimir y Estragón desencuentran a Godot en Hotel Celine”** , el cual es un diálogo entre los personajes de _Esperando a Godot_ (1952) del irlandés Samuel Becket. Aquí los vagabundos mientras siguen esperando a su amigo, en este caso en el hotel se ponen a reflexionar, declaran al ser humano como: “[…]una enfermedad imaginaria de Dios” (p79) y en el caso del lenguaje para estos personajes todo es incertidumbre y mascarada: “Sobre el tablero de ajedrez / cada juego de palabras es un simulacro de batalla […]” (p79). Omar Cáceres _Hotel Celine_ de Armando Roa es un viaje al centro de la literatura y todas sus posibles ramificaciones, el lugar escogido por el autor como señalé en un principio recrea un sitio de tránsito, liminal, en donde confluyen un sinnúmero de personajes, voces y objetos que nos ayudan a imaginar esta hospedería. La nostalgia y la melancolía se toman por momentos los ambientes del hotel, sumadas a algunas dosis de sospecha y desencanto. El lenguaje y la creación por momentos resultan esquivos y agotadores, no se llega, nunca hay pie sobre seguro cuando se habla de la escritura. Se carga la piedra de Sísifo por un inicial placer personal que luego por momentos se vuelve pesadillezco en su inacabada resolución. En este hotel Celine la única patria que une a todos los visitantes es la literatura, pero que por distintas situaciones se habita en el despojo, en la merma en la falta. Entendemos que por una incomprensión generalizada del mundo además de su violencia radical, y solo volviendo a entrar al hotel podemos reencontrarnos con ella y volver a respirarla, aunque sea con un dejo de _saudade_. Armando Roa logra poner un tópico novedoso dentro de la poesía chilena: la voz del traductor en la crisis y la angustia de nunca llegar completamente al sentido total de un texto desde un idioma a otro. Esa vicisitud de la intraducibilidad con diestra mano poética Roa la vuelve existencial, se agradece el gesto y la novedad. Jorge Petraglia, Roberto Villanueva, Leal Rey – «Esperando a Godot», Buenos Aires, 1956 Aristóteles España en la única reseña que encontramos de este volumen señala sin dudar: “Este libro debió ser galardonado con el Premio Municipal de Santiago o el Premio del Consejo Nacional del Libro y la Lectura este año, pero los jurados dijeron otra cosa.” (España). Al estupor del poeta agregamos la sorpresa de solo haber encontrado esta crítica de España sobre este poemario, lo que nos parece increíble, dada las características del texto y la maestría expuesta en su poesía, en los temas elegidos como en la estructura del libro. Se debe leer más a Armando Roa Vial, no solamente por sus traducciones que nos parecen de alto nivel, sino que también por su poética que nos abre un campo hacia la imaginación y a nuevos mundos literarios. Bibliografía España, Aristóteles. «Armando Roa Vial: Hotel Celine». _Proyecto Patrimonio_ , agosto de 2004, letras.mysite.com/ar100804.htm. Gavilán, Ismael. _Inscripción de la Deriva. Ensayos sobre poesía chilena contemporánea_. Ediciones Altazor, 2016. Roa Vial, Armando. _Hotel Celine_. Editorial Universitaria, 2003. ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 08/10/2026
Aluvión en San Carlos de Apoquindo, supongo que ahora la ultra derecha entenderá lo que es el cambio climático ¿no? :/
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 08/10/2026
Anne Carson premio nobel de literatura 2026 :) www.emol.com/noticias/Espectaculos/…
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 05/10/2026
La sensación apocalíptica de seguro nos recorre a tod@s este lunes después de lo de Brasil :/
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 03/10/2026
Un poema sobre boxeo y miradas :) carolinareyes83.substack.com/p/desd…
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 01/10/2026
Lo de Lula el domingo me tiene brutalmente los nervios crispados, de verdad :/
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 30/09/2026
Aquí les dejo mi nueva reseña al libro "Dramatis Personae" (2018) de la poeta Alejandra del Río publicado por Editorial UV :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
Dramatis Personae de Alejandra del Río: personajes en claro oscuro
_Dramatis Personae_ (2018) es el sexto libro de la poeta, licenciada en literatura y gestora cultural Alejandra del Río. En el se conjura una pléyade de voces que la escritora despliega a lo largo de sus páginas. Subdividido en cuatro partes, cada sección tiene su impronta particular. Inaugura el texto un epígrafe de la poeta cubana Dulce María Loynaz “¿Y esa luz? / Es tu sombra” (p19), que ya nos prepara a estos personajes-mascaras en claro oscuro. **En la primera sección** observamos la influencia de los relatos míticos griegos. Sobresale el poema “Pasífae” en donde se re escribe el mito de la reina, esposa de Minos, que se enamora de un toro regalado al rey por el dios Poseidón. Observamos que la voz no padece por su gusto, sino que al comparar lo que significa unirse al toro gallardo nos muestra su papel de esposa y madre como algo menor: “Pero soy una mujer / destinada para siempre al flaco vigor del hombre / a sus palabras de consuelo /al pasatiempo de los hijos” (p24). Frente a la monotonía del panorama, Pasífae se entrega a la pasión por el macho bovino: “Es tan dulce el deseo satisfecho a toda costa / yo no tenía remordimientos” (p25). Alejandra del Río De este modo como sigue el mito, la mujer se embaraza de esta unión condenada por hombres y dioses. Minos el rey es descrito como un hombre al que solo le importa el poder y las apariencias, en consecuencia encerró a la madre con el pequeño engendro en un establo para que lo cuidara. En esta parte del poema vemos como una madre trata de ayudar a un hijo que no cumple con las expectativas de su entorno y le da herramientas para superar el escollo: “Pude protegerlo esos cinco años entre mis brazos / de la soledad de su diferencia / […] Debía inculcarle amor por el misterio de su cuerpo” (p26). Y se produce la separación total; Asterión el ternero niño se le deja preso en un laberinto construido para él y se le olvida 30 años allí. Pasado ese tiempo comienza azolar los alrededores del dédalo, ocupa la sangre de sus víctimas para pintar bellos frescos de humanos y toros en las murallas. Pasífae logra apaciguar a su hijo monstruo lo sigue amando y le duele la suerte de su vástago “Pobre hijo mío en su esperanza de dominar la ruta / del laberinto y del corazón humano / cómo rogaba se olvidaran de él y lo dejaran solo” (p29). Pensamientos infructuosos dado el trágico final del hombre toro. «Dédalo y Pasífae» de Jean Lemaire Además de la intertextualidad con el mito griego sobresale el diálogo con la poesía de Gonzalo Rojas en “Quedishtu” que completa la conversación que el bate empezara en el poema «Quedeshím Quedeshóth». Mientras que el texto de Rojas habla desde la perspectiva de un hombre que accede a una prostituta sagrada, personajes que habitaban los templos en la antigüedad fenicia. En “Quedishtu” del Río plantea la voz de esa mujer y lo que realiza en favor del sujeto que quiere estar íntimamente con ella. La situación del amante transmutado en guerrero es francamente lamentable: “Los hombres como tu vuelven deshechos / apenas de pie / hay que religar sus partes” (p47). Así la sacerdotisa se explaya en un ritual sexual purificador que devuelve al hombre entre muchas otras cosas su condición humana. **La segunda parte** se enfoca en la cultura judeo-cristiana, comenzamos a divisar personajes bíblicos como la esclava Agar concubina de Abraham y madre de Ismael que debió retirarse al desierto y allí recibió la ayuda sobrenatural de Yahveh para continuar su vida. También aparece la reina Jezabel que introduce el culto al dios Baal y se enfrente al profeta Elías. Interesante nos parece el caso de la samaritana en el poema “Junto al pozo de Samaria” ya que subvierte la idea original del texto bíblico en donde la samaritana va a sacar agua de un pozo fuera del horario habitual, ya que el resto de las mujeres del pueblo la podían hostigar por la vida pública que llevaba. De esta forma. cerca del pozo se encontró con Cristo que le ofrece otro tipo de agua viva que saciara por siempre su sed como una metáfora de la aceptación de Dios y la salvación divina. En el caso de esta samaritana no la vemos interactuar con Jesús y, muy por el contrario, en sus reflexiones rechaza cualquier idea espiritual en torno al agua: “Se precisan ríos que inunden el desierto del afecto / Aguas vivas que broten de una boca mas profunda / un cántaro que no se deje llenar / con anhelo de vida eterna” (p61). Nuestra samaritana confía en la relaciones interpersonales para saciar esa sed más que la intervención de un ser sobrenatural. «Cristo y la samaritana» de Duccio di Buoninsegna “Antígona del Rhin” también es un poema que nos llama la atención, ese es el nombre que crea del Río para hablar de Hildergard von Bingen una santa y polímata alemana que entre las muchas cosas que hizo se le permitió realizar prédicas por las iglesias de Alemania, una cosa extrañísima dado el contexto de la Edad Media y su condición de mujer y monja de claustro. Una de sus grandes discusiones teológicas fue el concepto del “libre albedrio” dado por Dios, en una época en donde la servidumbre era la condición natural de gran parte de la cristiandad en Europa. Se le conocía popularmente como “la Sibila del Rhin” o “la profetiza teutona”. Antígona de Sófocles es la que honra con su vida el linaje paterno y es esto lo que se representa en el poema. Hildergard increpa a una especie de cúpula eclesial: “Sepan clérigos / también el cuerpo tiene derecho a descansar / tras las obras de la carne” (p69). La saca de quicio las reglas que imponen las leyes canónicas que alejan la posibilidad del encuentro con la divinidad de forma más íntima: “Como se atreven a prohibir el paraíso” (p70). De esta forma Hildergard reconfigura la imagen de Jesús en contra de los escribas y señores de la ley que solo alejaban al pueblo de su Dios. «Hildergard von Bingen» Protestificatio de Scivias, Fol. 1. Facsímil de Eibingen del códice de Ruperstberg. **La tercera sección** hace un guiño a la cultura chilena y sobresale el poema “Recado de Doña Isabel Riquelme” que lo precede un epígrafe del poema “Chillán” de Gabriela Mistral: “Doña Isabel lo quería suyo” (p77). Aquí la voz de Isabel asegura que siempre quiso un hijo no importando su situación de pareja: “En cuanto a mí / nadie me abandono” (p78), cortando de lleno con la versión histórica que habla de una promesa de matrimonio nunca concretada por Ambrosio O’Higgins. Así la mujer despeja cualquier duda y da a entender que siempre vio el futuro de su vástago: “Fue mi decisión hacerlo concebir / parirlo a solas / y a solas convertirlo en Libertador” (p78). En “Encomienda para la Quintrala” se subvierte la leyenda horrorosa de Catalina de los Ríos y Lisperguer conocida como la Quintrala. En este poema si bien ella compra nativos para su encomienda les daba la libertad: “Luego les hablo / les digo / son libres / más nadie se va” (p80). Sin embargo, se nota su pulsión erótica por los indígenas, le gustan los que parecen más rebeldes, colegimos que en su mayoría ellos son mapuches: “Los prefiero así / insurrectos y bravos / la escoria que no acepta ser dote / cacique con sangren en las manos […]” (p79). Da la impresión que en ese temple rebelde se ve reflejada la propia terrateniente. En el proceso de revisar a sus nuevos indios y ver donde harán su trabajo esclavo, ya elige quien será su próximo amante: “Me gusta el más viejo / el de cabello cano / el más respetado / jamás baja la vista / ni aun cuando sube la hombría [….] / A ese lo quiero puertas adentro / el taita que nunca tuve” (p80), observamos a la Catalina encomendera que trata de resarcir en algo una posible vida solitaria, se aferra a la cercanía de ese amante-padre que en algo apaciguara una soledad que parece existencial. «Isabel Riquelme» Retrato de José Gil de Castro “Alineamientos del Carnac” nos parece un poema sugerente, ya que hay un espejeo entre la voz poética y la autora. Este texto hace referencia a un conjunto arqueológico en la Bretaña francesa, llamado de igual forma, que lo compone un conjunto de piedras megalíticas medianas alineadas a lo largo de un predio en Carnac que nos recuerdan su pasado galo druídico. El texto destaca la volubilidad de la creación literaria que siempre va más allá incluso de nosotros mismos: “Nada es definitivo para pluma / aunque los menhires se llamen / Ale y Alejandra / la pluma seguirá siendo deseo / que camina rumbo al mar” (p82). La escritura y la creación siempre se moverán más lejos aún de nuestra propia identidad y calidad de autores, de alguna forma se le confiere una vida propia al acto escritural. Un poema que nos divirtió mucho fue “Los trabajos de Sísifo” que en esta modernidad se acercan al aseo cotidiano en una casa, labores que por su naturaleza jamás se dejan de realizar para desagrado de la hablante que se define: “[…] soy una vieja de mierda / combatiendo contra larvas y polillas” (p84) en este punto ya en una lucha sin cuartel contra la suciedad que día a día la invade. **La cuarta parte** cierra el libro con el poema que da nombre al conjunto “Dramatis Personae” en donde se realiza una reflexión poética en torno a la identidad y las diferentes voces que pueden aparecer en un texto o ya más fantasmáticamente en la vida. La estrofa clave aquí tiene un toque rimboudiano: “Aquí todo yo es otro / todo otro es yo / y en la caída que deleita / las cosas antiguas han pasado” (p108). Esta definición nos abre puertas a posibilidades múltiples de que la hablante y la autora recreen prácticamente a cualquier persona que quisieran representar. No hay límites, no hay explicaciones que dar, todos dentro llevamos lo unívoco y lo múltiple habitando en nosotros de forma sinérgica. Alineamientos del Carnac sitio arqueológico Las _Dramatis Personae_ una alocución latina que significa “personajes del drama” y que en el teatro son la lista de roles que intervienen en una obra, se conjugan en este libro que nos muestra por sobre todo un _ethos_ femenino que justamente por su versatilidad no es estático ni pétreo, muy por el contrario, variable y con distintos puntos de fuga. Pensamos que este texto es más que un salto de fe (Henrickson) o una polifonía de voces (Gandolfo). Consideramos que es un ejercicio escritural mayor y consiente por parte de su autora tomando en cuenta “[…] un panorama literario de minimalismo objetivista y avasallador confesionalismo” (Bello 9) el volumen es una bocanada de aire fresco, que se señorea en múltiples influencias; las griegas, las judeo-cristianas y también la vasta tradición poética chilena, dejando claro que Alejandra del Río es un de las poetas contemporáneas que debemos seguir leyendo en sus trabajos por venir. Bibliografía Bello, Javier. «Contraprédicas de Alejandra del Río: la voz humana». Introducción. _Dramatis Personae_ , por Alejandra del Río, Editorial UV, 2018, pp 7-15. Del Río, Alejandra. _Dramatis Personae_. Editorial UV, 2018. Gandolfo, Pedro. «Polifonía del alma: _Dramatis Personae_. Alejandra del Río». _Letras.s5.com_ , 18 mayo 2020, http://letras.mysite.com/pgan180520.html. Henrickson, Carlos. «Alejandra del Río: _Dramatis Personae_ «. _Letras.s5.com_ , 26 abr. 2018, http://letras.mysite.com/chen260418.html. ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Reposted by Carolina Reyes Torres
Capitán Swing @capitanswing.bsky.social · 28/09/2026
💰 NOVEDAD 💰 El capitalismo no es inevitable, científico ni natural: es un sistema contingente que puede ser sustituido. Los problemas persistentes como la pobreza, el acceso a la vivienda, el desempleo y la inflación no son fallos del sistema económico, sino características fundamentales del mismo.
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 22/09/2026
Avisen mis contactos que tienen substack para seguirlos :)
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 16/09/2026
Qué año tremendo este en Chile, creo que Kast además de TODO es YETA mal, no tengo pruebas tampoco dudas :/
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 15/09/2026
Aquí les dejo mi nueva crítica a la película "Imagen Latente" de Pablo Perelman :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
Imagen Latente de Pablo Perelman: Una superposición de la memoria
_Imagen Latente_ (1987) es el segundo filme de Pablo Perelman realizado en las postrimerías de la dictadura. La película muestra los esfuerzos de Pedro (Bastián Bodenhöfer) para encontrar información sobre su hermano detenido desaparecido durante los primeros años del régimen. Esta historia se enlaza con la propia biografía del director, ya que sufrió la desaparición forzosa de su hermano Juan Pablo en Villa Grimaldi el año 1975. En _Imagen Latente_ podemos encontrar una superposición de la memoria, en donde en un bordado muy bien estructurado por Perelman se mezclan imágenes de archivo del propio realizador, que quedaron en la casa de su padre luego de su partida al exilio. Grabaciones que recuerdan el periodo de la Unidad Popular. Y dentro del filme vemos como Pedro está mirando esos recuerdos mientras rememora las consignas de esos tres años del gobierno de Salvador Allende. Pedro repite “El presente es de lucha y el futuro es nuestro” para luego recalcar “el presente es una mierda”. Aquí se superpone una realidad anterior a la misma realización, recordemos es 1986-87, aun Chile está bajo el gobierno de facto de Augusto Pinochet y para ese tiempo no se tenía tan claro si podría existir una salida pacífica a ese estado de cosas. Lo que generó una realización semi clandestina que también se cruza con la historia ficcional y que tiene como corolario final la prohibición de la exhibición de la misma, ya que el Consejo de Calificación señalo que “constituye una versión parcial e interesada de la realidad, que no contribuye al concepto de la reconciliación y promueve la vigencia de la teoría de la lucha de clases” (Naranjo Fuguet). Retrasando su presentación hasta 1990 con el arribo de la democracia. Viendo la película desde 2026, todas las escenas en torno al revelado de fotos, nos parece una arqueología de una técnica artística que, por momentos, pensamos puede estar desapareciendo. La definición de “Imagen Latente” para la fotografía significa: “la imagen invisible que se crea en una película fotográfica al exponerla a la luz. Esta imagen solo se hace visible a simple vista una vez que la película se ha retirado de la cámara y se ha revelado químicamente.” (Carr). Esta definición solo responde a los procedimientos de la fotografía analógica, puesto que en la actualidad de cámaras digitales y su forma de “revelado” que pasan por una impresión en color ya no existiría esta “imagen latente” propiamente tal. Sin embargo, comprendemos la metáfora detrás de esta idea, una ilustración que no se hace visible hasta los procesos químicos necesarios, pero que igualmente existe en forma potencial. Se podría pensar que el recuerdo de los DD.DD por parte de sus familiares es la imagen latente de ellos y no solamente de los desaparecidos sino que también del sistema de Terrorismo de Estado que implantó la dictadura civil militar en esos 17 años. La latencia, lo velado, lo implícito, lo encubierto, lo fantasmal, la merma, la ausencia son estados que permean toda la película. Pedro, como ya dijimos, es un joven fotógrafo que vive con su esposa (María Izquierdo)- que también trabaja en el rubro- y su hijo en Santiago. En un primer momento vemos como Pedro no quiere verse más involucrado en la lucha en contra de la dictadura, en una mezcla de cansancio y hastío. Entendemos que quiere estar preocupado de su familia y ver como consigue el sustento mensual trabajando en publicidad. Pero el pasado cada cierto tiempo se le vuelve a manifestar, un militante del PC que esta involucrado en tareas de organización de acciones armadas le pide un favor a cambio de revelarle más datos de la detención de su pariente. El trabajo es fotografiar desde un edificio cerca de la Plaza Baquedano el auto de Manuel Contreras director de la CNI (Central Nacional de Informaciones) ex DINA. Ese contacto le entrega pistas que lo van a llevar por un periplo hasta las puertas de Villa Grimaldi para tratar de esclarecer el paradero de su familiar. En primer lugar vemos una conversación con su padre (Patricio Bunster) en donde vuelven a repasar la situación de su hermano y como, en una elección del director, se muestran en un primerísimo primer plano papeles legales del caso junto al expediente, de esta forma Perelman vuelve a recurrir al uso del archivo. Se contacta con una antigua casera (Schlomit Baytelman) de su pariente, luego con la agrupación de familiares de DD.DD, con el antiguo dueño de Villa Grimaldi hasta que logra conversar con una ex prisionera que estuvo con su familiar en ese centro de clandestino. La conversación con la sobreviviente de la tortura y compañera de su hermano en el MIR -actuada por Gloria Münchmeyer- es una de las cumbres de la película. La actriz logra dar con un tono que en un inicio suena extrañamente ligero pero conforme pasan las atroces revelaciones se puede observar la afectación de ella. Perelman intercala este tranquilo relato con unos flashback rápidos en donde se muestra una sesión de tortura con la picana a una joven en una camilla. Escenas que nos perturban mientras volvemos al relato quedo de la mujer. A nuestro entender y dado el tiempo transcurrido desde la realización del filme hasta esta actualidad se le suma otra capa más a la película, ya que recrea un fresco de época colores, ruidos, formas de relacionarse, que muestra un Chile otro sumido en el espectro dictatorial. La ficción y lo documental se cruzan permanentemente en la realización, cuando Bodenhöfer hace los exteriores y se escuchan bocinazos, sirenas y helicópteros no planificados nos da la impresión que el artista no actúa la cara de preocupación. El climax de esta transposición es cuando se recrea un mitin en el teatro Caupolicán y vemos como los familiares de DD.DD y los opositores al régimen cantan “El Pueblo Unido” de Quilapayún, pero observamos claramente que los extras de esa escena más que cantar a viva voz hacen una suerte de fono mímica, mientras escuchamos un susurro fuerte de varias voces y que en un acto de montaje se trata de resarcir con un sonido de gente cantando la canción. Volvemos a recordar las condiciones del largometraje de finales de los 80 y aun con la dictadura como marco referencial. En paralelo vemos como Pedro comienza a tener problemas de pareja, conforme más se entera de las circunstancias de la desaparición de su hermano más ausente e incomprendido se siente. La mujer y su hijo son un ancla al presente y sus necesidades, pero el dolor de la perdida sin paradero de su hermano lo deja en un intersticio emocional que es muy difícil explicarle al resto. Podemos entender los dos intentos de relaciones íntimas de Pedro con la casera y la hija de una víctima de la dictadura como metáforas de la confusión y la desolación. El personaje de Schlomit Baytelman vio a su pariente antes de que cayera preso, la hija del padre desaparecido lo entiende en su desolación de vivir la ausencia su hermano. Con los ojos del presente estas relaciones nos parecen un poco innecesarias y algo forzadas en el guion, quizá son un punto de fuga para bajar el dramatismo de lo que plantea la cinta. La filme termina con una visión de la cámara dentro de un automóvil; vemos la calle, los buses y otros vehículos en un día de lluvia invernal y con una reflexión clave que solo refuerza el final abierto de la película: “Porque el futuro es un reflejo del pasado. Por eso que nunca es tan distinto. La gente es la misma” (Perelman, _Imagen Latente_). La escena termina exactamente cuando pasa una micro blanca con líneas azules con el número 73 en rojo alejándose y doblando en una próxima esquina. Se ha dicho de _Imagen Latente_ que es una representación de la melancolía de un cine postdictatorial (García) y como un ejercicio de múltiples archivos que se entrecruzan (Bongers). En este contexto en donde campea la ultra derecha por todo el orbe las reflexiones finales de Pedro nos parecen más fundamentales que nunca, el punto esencial “La gente es la misma” lo que podría haber parecido un exceso de pesimismo, considerando que tres años después el país se habría a la democracia. Luego de 36 años vemos con estupor que son la misma gente que apoyó el golpe de Estado, que defiende a los torturadores y que no conmemora de manera oficial el 11 de septiembre los que gobiernan el país. La metáfora de “la micro 73” doblando por una esquina, sin saber si se desvía para nunca más encontrase con nosotros o por el contrario para reaparecer cuando menos lo esperamos, es por lejos, la representación más precisa del estado de cosas actuales en nuestro país. Bibliografía Bongers, Wolfgang. «Archivo, Cine, Política: Imágenes Latentes, Restos y Espectros en Films Argentinos y Chilenos». _Aisthesis: Revista Chilena de Investigaciones Estéticas_ , no. 48, 2010, pp. 69-87. Carr, Dan. «Imagen latente.» _Shutter Muse_ , 2026, shuttermuse.com/glossary/latent-image/. Accedido el 15 sep. 2026. Fuguet, Alberto y René Naranjo. «Imagen Latente. Una versión parcial, una visión personal». _Enfoque_ , 1 nov. 1988. Republicado en _Cinechile_ , https://cinechile.cl/imagen-latente-una-version-parcial-una-vision-personal/. Accedido el 15 sep. 2026. García Mateluna, Álvaro. «Alegoría y melancolía en el cine chileno de la transición». _laFuga_ , https://lafuga.cl/alegoria-y-melancolia-en-el-cine-chileno-de-la-transicion/1174. Accedido el 15 sep. 2026. _Imagen Latente_. Perelman, Pablo, dir. Act. Bastián Bodenhöfer, Gloria Münchmeyer, María Izquierdo. Color. Macondo, 1988. Medio fílmico. ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 11/09/2026
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 06/09/2026
Aquí les dejo la presentación que realizamos para el libro "El regreso de “Torito” Callulaf y otros relatos provincianos" del poeta Jaime Huenún publicado por Ediciones Lom :) […]
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 31/08/2026
Les dejo mi nueva crónica sobre la fotografía de Nan Goldin :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
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Nan Goldin: La intimidad soy yo
Hace tiempo, mientras merodeaba por RR.SS. descubrí un posteo en donde se mencionaba el nombre de Nan Goldin y un título clave _The Ballad of sexual dependency_ fechada además en 1986. El nombre corresponde a una de las fotógrafas norteamericanas finiseculares más destacadas. _La Balada de la dependencia sexual_ era una de sus exposiciones más famosas. Decidí entonces buscar algo de esa colección de fotos que seguramente estaba de forma desmembrada y dispersa por internet. Nan Goldin nació en Washington en 1953 pero se crio en Boston en el seno de una familia con problemas disfuncionales y de padres separados, todo se complica aun más cuando Nan de 11 o 12 años sufre la pérdida de su hermana mayor por suicidio, un hecho que la marcara de por vida. A los 15 se acerca al mundo de la fotografía y prontamente se va de casa recalando en el Nueva York de mediados de los 70. Allí se cruza con una vida nocturna fulgurante; fiestas, música, sexo, cocaína y heroína por doquier. Nan con su cámara va para todos lados y comienza a sacar fotos algunas borrosas de todos esos momentos junto a sus amigos, su familia por elección, ella señalará: “Yo quería hacer foco, pero casi siempre estaba demasiado borracha”(1). Nan Goldin Se comprenderá que con su historia de vida a cuestas, el tema de las relaciones interpersonales era de alta complejidad. Nos parece muy conmovedora su decisión de exponerse en esa __ fragilidad en _La Balada de la dependencia sexual_ , en donde nos encontramos con un recorrido por su cotidianidad que incluyen amigos, fiestas, trasnoche, baños, autos, cuartos, pero que también muestran imágenes de ese amante con el que tuvo idas y vueltas de mucha tensión, ella misma explica en la introducción del libro con el que corona esta exposición: «Durante algunos años estuve profundamente ligada a un hombre. Emocionalmente nos llevábamos bien, y la relación se volvió muy interdependiente. Usábamos los celos para inspirarnos pasión. Él tenía un concepto de las relaciones basado en el idealismo romántico de James Dean y Roy Orbison. Yo anhelaba la dependencia, la adoración, la satisfacción, la seguridad, pero a veces sentía claustrofobia. Nos habíamos vuelto adictos a la cantidad de amor que la relación nos suministraba. Éramos una pareja» (2). Para Goldin el amor, en su forma más salvaje y descontrolada, puede ser considerado como una adicción, así como las drogas o el alcohol y si examinamos los efectos pueden dejar en el cuerpo de una mujer, la comparación puede ser posible. Un mes después de ser golpeada. 1984 “Un mes después de ser golpeada” es una de esas instantáneas que entra por derecho propio a la historia de la fotografía mundial. Podemos ver a la propia artista en un primer plano y observamos como en la cara tiene las marcas que le ha dejado la violencia de su pareja, tomada en colores–solo al principio de su trabajo como fotógrafa Goldin ocupo el blanco y negro, luego se centro en el color, algo que para la época era una rareza– distinguimos las dos cuencas de los ojos con marcas, pero advertimos que el ojo izquierdo aún lo tiene en sangre. Dicen que casi pierde la vista por los golpes recibidos en ese sector de la cara. A pesar de lo desgarrador del hecho, notamos que mira directamente a la cámara sin vergüenza, documenta el hecho siendo objeto y sujeto de esa pesquisa. Se pone al centro de su obra artística como motor y fuerza de ese desarrollo. Podríamos pensar: “pero esta situación Goldin la llevo al extremo, la mujeres ya no sufrimos ese nivel de agresión” ¿Estamos seguras de esa frase? Me pregunto mientras escribo, porque es inevitable pensar qué niveles de agresión estamos dispuestas a soportar del hombre que deseamos o amamos. Cuáles son los golpes, no visibles y posiblemente de otra índole, que quizá en un primer momento aceptamos y luego, cuando la maraña de malos entendidos, deseos, diferencias irreconciliables o celos se vuelven inmanejables, nos despertamos, como le ocurrió a la propia Nan con esta misma foto para decidir poner fin a esa relación. No he querido sumar a este coctel el consumo de sustancias, puesto que ese caos sin lugar a dudas tendería a la entropía radical. Bailando Twist en mi fiesta de cumpleaños, Nueva York, 1980 Esto es lo que hacen los buenos artistas, lanzan una pregunta hacia nosotros y somos los espectadores los que debemos completar esa duda arrojada al aire. Goldin a pesar de la crudeza de algunas fotos no se ve como la víctima de lo que acontece. En paralelo que documenta esta parte de su vida, esta panorámica de su intimidad, con el pasar del tiempo ha servido para registrar la vida privada de una generación de estadounidenses: los baby boomers que nacieron en los 50 y que vivieron siendo adolescentes la juventud del mundo en los 60, que se enfrentaron a los 70 a la libertad sexual, el uso de drogas y luego vieron con estupor como en los 80 la crisis del VIH se llevaba a sus amigos o parejas de la comunidad LGTBI. Nan Goldin en la actualidad tiene 73 años y en el 2024 estreno _Sisters, Saints, Sibyls_ un documental de 30 minutos que trata sobre Barbara su hermana mayor que fue enviada a un hospital psiquiátrico a los 12 años y a los 18 se quito la vida. Lo que podría confirmar lo que dijo alguna vez el escritor Alan Pauls sobre la fotógrafa: “descubrió que todo lo que hacía lo hacía para recordar, para atestiguar, para dar fe, pero no de algo que le era propio sino de otra cosa. De otra: de Barbara, la hermana perdida. Descubrió que esa autobiografía en imágenes, en la que llevaba trabajando un cuarto de siglo, era en realidad la biografía imposible de una muerta amada.” (3) Notas (1) y (2) Citas parciales de la introducción escrita por Nan Goldin para su libro _La balada de la dependencia sexual_ , Aperture Books, Nueva York, 1986. (3) _Temas Lentos_ , selección y edición por Leila Guerreiro. Ediciones Universidad Diego Portales, junio 2012. 350 páginas. ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 29/08/2026
Les dejo la última reseña que se hizo de mi libro "Horario continuado" (Aparte Editorial 2025) escrita por Ernesto González Bernet en Letras mysite :) www.letras.mysite.com/egba290826.ht…
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 20/08/2026
Les dejo la invitación al lanzamiento del libro "El regreso de "Torito" Callulaf y otros relatos provincianos" del talentoso poeta Jaime Luis Huenún Villa publicado por LOM Ediciones . En la presentación acompañaremos a Jaime y comentaremos el texto junto a […] [Original post on mastodon.social]
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 20/08/2026
Les dejo la ultima reseña que se hizo de mi libro "Horario continuado" (Editorial Aparte 2025) escrito por Daniel Rojas en la Revista Corazón de Átomo :) corazondeatomo.wordpress.com/2026/0…
corazondeatomo.wordpress.com
Por Daniel Rojas Le decía _la caja del diablo_. Si no estaba de buen humor, incluso nos pedía apagarla. Mi papá no tenía un buen concepto de la tele. Aun así, me las arreglé para pasarme horas enfrente de la pantalla durante mi niñez y adolescencia. Entre mis programas favoritos estaban las noventeras adaptaciones animadas de Batman y Spiderman, la lucha entre humanos y zentraedis en _Robotech_ y, más tarde, las aventuras de un joven Clark Kent en _Smallville_ y de los hermanos Winchester en _Supernatural._ Con el tiempo mi papá se volvió más laxo y aquello de la _caja del diablo_ quedó lo suficientemente atrás como para no recordarlo hasta que leí _Horario continuado_ de Carolina Reyes Torres, y me encontré de frente con la _caja de las mentiras_. __«A mi madre no le gusta la televisión, la detesta (…) para ella era la “caja de las mentiras” o “de las estupideces”…», nos cuenta la autora en «Buenas tardes, Mirella», una de las tantas crónicas que componen su libro. Sin duda, la expresión _caja de las mentiras_ está emparentada con la mía: comparte la metáfora —hoy en día totalmente anacrónica—de la tele como caja, a la vez que le atribuye un carácter perverso. Sumemos a esto el hecho no menos curioso de que el diablo tiene entre sus muchas denominaciones la de _padre de las mentiras._ _Horario continuado,_ publicado por __Editorial Aparte en 2025,__es una pequeña ventana al pasado lejano y no tan lejano. A través de sus crónicas, Carolina Reyes vuelve sobre las décadas de los ochenta y noventa, cuando la telefonía fija comenzó a masificarse y muchos hogares contaron por primera vez con un teléfono propio; evoca la época de oro de las teleseries chilenas y, por extensión, nos lleva de vuelta a la mesa puesta y la familia reunida en torno a la tele, mientras daban _Romané_ , _Amores de mercado_ o _Los Pincheira_ ; rememora los tiempos en que ver una buena película dependía de la lógica secreta detrás de la programación del cable o de la TV abierta. Reyes sigue y suma una serie de producciones audiovisuales y musicales que llaman a la nostalgia, trenzando estas piezas culturales con sus vivencias de aquella época: el colegio, su familia, los amigos, las «hallullas tostadas con mantequilla y té con leche (…) mi madre eternamente limpiando la cocina el día sábado, en la mañana, después de otra jornada laboral semanal (…) dejando la radio en las emisoras AM en las que daban canciones de otros países…». De esta manera, _Horario continuado_ es mucho más que un almanaque de una época que cada día nos resulta más distante: es una colección de reflexiones, intuiciones, sentimientos e íntimas vivencias que le brindan a ese pasado una impronta cálida y singular. A veces, sin embargo, Reyes cambia su mirada y se torna combativa: no tiene empacho en hacerse parte de debates que, en algún punto, coparon la opinión pública, como la separación de Shakira y Piqué —solo el tiempo nos dirá si estos dos alcanzarán para la Historia los ribetes de César y Cleopatra— o nos ofrece una perspectiva a contrapelo respecto de ciertas cuestiones muy normalizadas por estos tiempos. Así, por ejemplo, cuando parece que todos pontifican las virtudes de volar por el mundo y conocer otros lugares y sus respectivas culturas, ya sea por un auténtico deseo de vivir nuevas experiencias, ya sea como una frívola manera de ganar estatus, la autora zafa del cliché y con una perspectiva distinta nos muestra cómo los aeropuertos materializan algunos de los aspectos más nefastos de nuestra época, los percances que los viajes traen aparejados e, incluso, llega más allá para señalarnos que el infierno bien podría ser: … la espera a un vuelo. Entrar a esa zona intermedia, el interregno del capitalismo en su fase apocalíptica, unos pasillos comerciales que te avisan del concepto de _duty free_ , pero donde las cosas siempre te parecen más caras de lo normal. Siempre iluminado con una luz que provoca escalofrío y las fotos homologadas de todo el Caribe en una misma isla con distintos nombres. Ahora bien, si un aeropuerto puede operar como símbolo del infierno y la tele puede figurarse como _la caja del diablo_ , los libros también están sujetos a metáforas demoniacas. Y, en el caso de _Horario continuado_ , alguno se puede quedar con la impresión de que Titivillus metió su cola varias veces: en más de una ocasión me encontré con la infame _coma asesina_ o _criminal_ («Aprender a vadear esos riesgos, era el aprendizaje mayor»), errores ortográficos («… fue la única vez que falte a mi pega»), queísmos («… mis estudiantes se dieron cuenta que era algo grave…»), usos impropios de ciertos signos ortográficos (empleo de guiones en lugar de rayas, por ejemplo) y un uso equívoco de los prefijos (pre escolares, en lugar de prescolares; ex jugador, en lugar de exjugador), etcétera. Normalmente, cuando encuentro errores de esa naturaleza en un texto los ignoro, pero en este caso se trata de algo más o menos recurrente a lo largo de las páginas y, en consecuencia, constituye un rasgo de estilo que no pasa desapercibido y, por lo mismo, resulta necesario detenerse al respecto. Hay lectores a los cuales aquello les da igual. Hay lectores a los cuales, por el contrario, aquel tipo de errores les resultan, como solía decir una profesora mía, una mancha en el texto que empaña la lectura. Sin embargo, también hay lectores que concebirán los errores como una virtud, un gesto deliberado para afianzar el fondo por medio del estilo. Como se desprende de lo dicho hasta aquí, _Horario continuado_ tiene un tono íntimo. Es semejante a una conversación con una amiga o un amigo que no ves hace mucho. En ese sentido, un registro descuidado puede ayudar a construir una atmósfera de intimidad, un espacio de confianza ahí donde un estilo ceñido a la norma impondría cierta distancia. Frialdad, incluso. «No importa nada que un estilo sea correcto o incorrecto; importa que sea eficaz, adecuado a su cometido», afirmó Vargas Llosa en _Cartas a un joven novelista._ Sea cual sea el caso, me limitó a hacer notar un punto saliente del estilo de la autora y a especular al respecto sin decantar por ninguna opción, porque prefiero que cada lector adopte la postura que juzgue mejor. Como escribió Cervantes en el prólogo del _Quijote_ : «… lector carísimo (…) tienes tu alma en tu cuerpo y tu libre albedrío… y así, puedes decir de la historia todo aquello que te pareciere…». Más allá de lo anterior, _Horario continuado_ funciona como una efectiva máquina del tiempo: nos atrapa y conduce de forma muy vívida, a través del singular prisma de la autora, a décadas atrás y, de igual modo, a nuestro pasado más inmediato, a la vez que nos invita a observar detenidamente nuestra propia existencia, porque, como sostuvo Sócrates, «… la vida no sometida a examen no es digna de ser vivida para un ser humano». Esta introspección redunda, en el caso de Carolina Reyes, en el surgimiento de ciertos patrones —expresiones, gestos, ideas— que gradualmente van delineando el perfil de la voz que se manifiesta en cada crónica, le otorgan carácter y, a su vez, operan como hilo conductor que apuntala la costura entre los textos, configurando _Horario continuado_ como un conjunto armónico que escapa de la mera acumulación antojadiza. Así, la escritura en su dimensión epistémica está dispuesta al servicio de esa voz cuya conciencia ahonda en los recuerdos y preocupaciones para descubrirse. Esto queda especialmente de manifiesto en la última crónica, aquella que da su nombre a la colección, en que cada párrafo está encabezado con la expresión _me acuerdo_. Y conforme avanzamos sobre las páginas y los recuerdos entendemos lo mismo que la autora afirma, citando a una tía abuela suya: «el tiempo es muy extraño, de los cero a los quince años pasa todo muy lento, pero luego de ese periodo la vida se pasa volando». > _​​Daniel Rojas Villarroel es profesor de Castellano y Comunicación y magíster en Lingüística Aplicada. Actualmente, se desempeña como taquígrafo en la Cámara de Diputados y, en concordancia con el carácter anacrónico de ese oficio, le encanta recorrer ferias libres y tiendas de antigüedades en busca de libros viejos. El gusto por esta clase de libros es proporcional al terror que le produce la pregunta: ¿y cuántos de tus libros has leído? Quizá el miedo sea más bien pudor y, de hecho, más que pudor, vergüenza, por admitir que compra más de lo que puede leer._ ### Comparte esto: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 17/08/2026
Hola buen lunes, necesito un par de años de sueño :/
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 30/07/2026
300 millones recortados de los fondos de cultura, eso representa el 50% en reducción. Gobiernan un país que odian.
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 29/07/2026
Les dejo mi crónica "Los problemas de volar" que apareció en la revista online de La Raza Cómica y que es parte de mi libro "Horario continuado" (publicado x Aparte Editorial) razacomica.cl/sitio/2026/07/29/los-…
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 26/07/2026
Les dejo mi nueva reseña del poemario "La aridez y las piedras" escrito por Verónica Jiménez y publicado por Garceta Ediciones :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
La aridez y las piedras de Verónica Jiménez: La poesía como puente
_La aridez y las piedras_ (2016) es el tercer poemario de la escritora Verónica Jiménez Dotte que en la actualidad posee una vasta trayectoria tanto en poesía, como narrativa y ensayo, además de ser la directora de Garceta Ediciones. En este su tercer trabajo el tópico que atraviesa todo el libro es el de la muerte y en cada sección del volumen se la representa de manera particular. Recordemos que _La aridez y las piedras_ ganó el Premio Municipal de Literatura de Santiago en la categoría de poesía en el año 2017. En términos de forma _La aridez y las piedras_ se inaugura con un poema en donde una voz le habla a un ente que inferimos de carácter espectral, allí la hablante sabe que su contacto con ese ser no será de carácter humano, el viento se vuelve una forma de comunicación entre el más allá y los que quedamos en este plano de la realidad: “[…] si cuando el viento gira en espiral / y se seca el aire […] / es cierto / que una sola nota queda resonando / y reconocemos así la llamada.” (p7) Verónica Jiménez **En la primera sección “Campanas de Nieve”** tomado del verso final de este primer poema introductorio se representan momentos de la intimidad familiar, se reconoce la historia de un abuelo que tallaba lapidas, así la voz se vincula con este tópico mayor –la muerte- desde sus recuerdos de infancia: “Mi abuelo esculpía lápidas en el fondo de la casa […] De la primera herida extraía el nombre del difunto, de entre una multitud de rostros extraviados.” (p11). La voz también recuerda la experiencia de ver a un niño fallecido en un velorio, lo que ya la hizo pensar en su propia muerte a muy temprana edad: “Siempre pensé que moriría en la infancia” (p14). La muerte se mezcla con otras experiencias de la niñez como habitar la noche y la oscuridad, el primer temor cuando somos pequeños. Asimismo comienza a aparecer esta idea del recuerdo a los difuntos, observamos como se conservan sus objetos y retratos, además de cómo se sigue hablando de una pequeña hermana fallecida, la porfía de la memoria en los sobrevivientes: “[…] el abrigo que en vida usara la bisabuela Andrea […] el retrato de quien fuera su marido, un tal Augusto […] la muñeca de Clara Luz, una niña que vivió hasta los dos años y de quien todavía hablaban sus hermanos tres décadas más tarde.”(p15) Portada de un libro sobre William Edmondson artista y escultor de lápidas afronorteamericano **La segunda parte intitulada “Tierra ajena”** lo antecede un epígrafe del poeta francés Yves Bonnefoy: “Te acostarás sobre la tierra sencilla / ¿Quién te dijo que te pertenecía?”, unos versos que nos plantean la extranjería como condición permanente, hasta en el lecho de muerte. Concepto que se refuerza con el primer texto “Trilogía de la errante”, un poema largo subdividido en tres secciones, en donde vemos la directa influencia de la poesía mistraliana, nos da la impresión que Verónica Jiménez influenciándose del último verso del poema “La fugitiva” -“Pino errante sobre la tierra”- de Gabriela Mistral construye esta vida de la errante. En donde se niegan parte de los elementos como materia prima del nicho mortuorio: “No es el aire la casa de tu sepultura” (p25), “No es el agua la casa de tu sepultura” (p26) y “No es el fuego la casa de tu sepultura” (p27). Pero la hablante si tiene muy clara sus convicciones: “Este es el camino que yo escogí: / soltar las cargas de la opresión / entrar en el blanco pozo de los deseos / combatir la oscuridad dentro de mí” (p27). En “La fábula de los hermanos” se vuelve a reforzar esta idea de la pertenecía a un mundo popular y proletario. Así lo entendemos ya en el primer poema y la historia en torno al abuelo escultor de lápidas y se confirma en la representación de la muerte del sujeto trabajador: “El cadáver de un desconocido / encontrado boca abajo sobre los durmientes / es todos los muertos, una colección / de rostros sin eternidad y sin nobleza. / No hay cielo para esas defunciones” (p32). La permanente injusticia en la vida de los más carenciados que continuara hasta después de muertos. La “Tumba de María” nos parece un texto atractivo pues plantea una historia paralela a la oficial, en donde la madre de Jesús no fue ascendida a los cielos y posee una sepultura y su viudo trata de tener bello el lugar, mientras el diablo se ensaña con destruir esa belleza: “El demonio echa su aliento sobre este jardín / de hiedras rezumantes plantadas por José / hasta secar de un soplo / el rocío de la muerte” (p36). Interesante, porque se invierten los roles. En los Evangelios sabemos que el primero en morir, posiblemente en el exilio en Egipto, fue José y si creemos en la asunción de María, ella nunca poseyó una tumba. Pero hay algo que sí se mantiene en este poema del relato canónico y eso es el pertinaz odio que teológicamente se sabe que lucifer tiene en contra de la madre de Cristo. Animadversión que se remonta al momento en donde Luzbel, el más hermoso de los ángeles, se da cuenta que Dios no lo considera dentro del plan de salvación, ya que será un hijo nacido de mujer el que ayudará en la redención del mundo. La afrenta es total, se va del cielo junto un tercio de sus compañeros y se convierte en ángel caído. «La Piedad» de Miguelanchelo Buoanrroti “ _Resquiat_ ” cierra esta sección, una palabra que es una derivada de la sigla R.I.P que proviene de los vocablos del latín _requiescat in pace_ que se traduce en español como “descanse en paz”. En este caso _Resquiat_ también podría ser traducido como “permanece”. Este texto habla de la complejidad de la muerte cuando las relaciones, en especial con el difunto, no fueron exactamente las mejores: “Pero se nos pide ser hospitalarias con la sangre / extenderle un sudario a quien nos hirió de muerte / y no irnos sin antes haber dicho esas palabras […] / Descansa en paz […] (p40). La representación de la relación tortuosa se subraya con el intertexto a Hamlet y su tormentosa relación filial. **En la sección final denominada “Reino del frío”** se incorporan a esta red intertextual personajes del Nuevo Testamento en la Biblia, Teresa de Ávila y algunas historias de mártires y santas. De esta forma el primer poema “El beso” es la representación de la traición a Cristo vista desde el punto de vista de Judas. El momento clave es cuando el Iscariote besa a su Maestro, marcándolo de esta manera para que pueda ser apresado por los romanos, que acompañaban al delator: “Luego, dio un paso atrás y con expresión de orgullo / esperó a que el Mesías fulminara a la soldadesca […] / espero a que el maestro ostentara con arrogancia su poder / y estableciera el triunfo de los oprimidos sobre la tierra” (p43). Observamos de modo dramático como Judas equivoca su idea de liberación, quiere una insurgencia ya ni siquiera nacional, sino más bien de clase. Y es terrible porque imaginamos la decepción existencial que debió sufrir al comprobar que nada de eso ocurriría. También aparece la madre de Judas llamada en la tradición cristiana como Ciborea, la leyenda señala que predijo el triste final de su hijo a través de los sueños: “[…] Y vi a mi hijo, el niño perro de pelaje moteado / al que le lanzan piedras y maldicen / en todas las lenguas conocidas del mundo” (p56). «El beso de Judas» de Caravaggio “Las Moradas” en alusión al libro y la vida de Santa Teresa de Ávila es un poema que por momentos nos parece de un sutil e irónico humor negro. Aquí se relata como las monjas, sacerdotes incluso el Vaticano comenzaron a despedazar el cuerpo de la Santa en busca de las llamadas “reliquias”. Así Teresa fue prácticamente descuartizada y repartida a diversas iglesias de España y Europa, un ensañamiento contra el cuerpo de una mujer en aras de la devoción y los milagros, remata el final del texto: “Se dice que otros despojos […] / fueron esparcidos por el resto de la cristiandad” (p47). En el penúltimo poema “Viaje nocturno” hay un espejeo entre el personaje bíblico que ayuda a Jesús durante su tránsito al Gólgota en su Vía Crucis, le seca la cara con un lienzo de tela quedando el rostro de Cristo marcado en él. La Verónica del poema sabe que cumplió bien su cometido ayudando al Jesús que iba a ser crucificado, pero en medio de su presente ya ni siquiera sabe su propia identidad: “Lo cierto es que ahora ni siquiera recuerdo / mi nombre / dicen que es Verónica” (p61). Entendemos esta parte como presencia y al mismo tiempo un borroneo de la marca biográfica autoral, una aparición espectral, en este caso dentro del mismo volumen. Se cierra el libro con una reflexión meta literaria en el poema “El ángel del camino”, aquí la voz desde muy pequeña va a la caza de los vocablos: “Buscaba entonces las palabras. Me habían dado un habla breve [….]” (p62), hay una experiencia cultural, una posibilidad de una pequeña biblioteca en su casa en Curicó que influye en la vida de la futura poeta. Luego comienzan las reflexiones en torno a lo que significa la lírica, clave nos parecen estas dos: “La poesía esta dotada de un impulso que la lleva a saltar fuera de los libros” (p62) y “La poesía nos enseña a participar de la comunión con el mundo” (p63). Ella es entendida entonces como una experiencia vital y que nos conecta con nuestra realidad, esta forma de ver la poesía la emparenta con el poeta argentino Roberto Juarroz que una de sus clases magistrales señaló que la poesía no eran sentimientos, ya que son volubles y cambiantes, por el contrario la poesía eran experiencias. Así establece una genealogía en torno a la literatura, su metáfora para ello; los puentes: “Antes, ciertos hombres y mujeres habían dejado tendidos algunos puentes. Eran puentes colgantes, construidos con madera y con sogas, materiales leves [….] Nunca caían […] Un día puse un pie en uno de esos puentes” (p63). Se entiende el arte literario entonces como un enlace; entre la niñez y la adultez, entre los vivos y los muertos, entre la memoria y el olvido. _La aridez y las piedras_ representa todas esas posibilidades de comunicación, ampliando el horizonte poético, gracias a la maestría de la autora, en donde vivos y muertos transitamos hacia nuestras propias oscuridades o luces. «Teresa de Jesús» de José de Ribera ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 23/07/2026
Hoy cansada nivel "sierva de la tierra" :/
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 30/06/2026
Se fue Alemania y Holanda del mundial se quedan Paraguay y Marruecos, Los Condenados de la Tierra celebramos :)
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 28/06/2026
Le dejo mi nueva crónica con Marcelo Bielsa de protagonista :) #marcelobielsa omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
En defensa de Bielsa
Cuando lo supimos nos recorrió un escalofrió por todo el cuerpo, Marcelo Bielsa seria DT de Uruguay eso significaba la garra charrúa y su energía moldeada por las tácticas bielsistas, todo Chile intuyó en la pesadilla que se convertiría la selección de los orientales. En paralelo nos surgía un dolor del tipo duelo romántico, recordar hermosos momentos, alegrías que mientras las vivíamos no pensábamos que podrían acabar pero que ya eran solo ausencia y memoria. Mientras nuestra selección se desmoronaba, entre las direcciones técnicas de Gareca y Berizzo, y en paralelo los jugadores que se suponían eran el recambio, simplemente no tenían el nivel de nuestra ex generación dorada, nos llegaban los ecos de las hazañas futbolísticas desde la tierra de Idea Vilariño y Pepe Mujica. Uruguay le ganaba a la Argentina por primera vez como visitante, 2 a 0 en la Bombonera, terreno sagrado de Boca Juniors, Maradona y la 12. Nosotros en paralelo seguíamos en nuestro raudo descenso al centro del infierno de un Dante futbolístico que solo nos tenía preparado el hielo demoniaco de un equipo completamente desdibujado y deshilachado en cancha, once sombras sobre el césped. Entretanto seguían las nuevas desde Uruguay, otro nuevo Maracanazo versión 2.0, el equipo de Bielsa le ganaba _o maior país do mundo_ de local en el Centenario, rompiendo una racha de 22 años sin ganar al pentacampeón. Nosotros que ya habitábamos completamente el inframundo del balón pie veíamos hacia arriba como uno de los DT más influyentes de la historia chilena del fútbol -al nivel del Zorro Álamos- agigantaba la trayectoria futbolística charrúa y la suya propia. Entonces algo ocurrió, como un ruido sordo, un rumor de leve viento antes del huracán que se desatara. El terremoto lo desencadeno Luis «mordedor de orejas» Suarez, en una entrevista deportiva el 2024, cuenta de sus desavenencias con Bielsa y la descripción que él hace del DT francamente lo emparentan con el Gigante Egoísta; que le habló muy poco, que casi no saludaba a la gente que trabajaba en el predio uruguayo, que a uno de los jugadores lo sacó de la selección y lo metió de sparring. Suarez en un momento añade «es sabido que Bielsa no es de lidiar con los líderes o jugadores con experiencia». El delantero abrió una caja de pandora al mismo tiempo que se retiraba de la selección. Enrareció todo lo que quedaba de la eliminatoria y no es de extrañar que los 3 partidos que alcanzaron a jugar durante este torneo, el ambiente siguiera dentro del vestuario completamente viciado. Situación que más o menos se puede confirmar habida cuenta de que se filtraron a la prensa nuevas complicaciones entre algunos jugadores y el Director. Para este momento Uruguay figura eliminada en primera ronda de este mundial, lo que es la una sorpresa dentro del certamen. La hinchada charrúa se debate entre echarle la culpa a la dirigencia, a Bielsa y a los jugadores. Todo es desolación entre los uruguayos. Mucha de la afición está odiando en este momento a uno de los DT más queridos por Chile, cosa que nos deja con una sensación extraña. El método futbolístico de Bielsa implica un gran sacrificio y entrega por parte de los jugadores, además de creer en el sistema que el Director señala. Aquí no teníamos mucho que perder, con solo el recuerdo de Francia 98 y con un mundial sub 20 en donde amañadamente nos sacaron de la posible final con un arbitraje a favor del rival (Argentina), no teníamos mucho que perder. Uruguay no tiene evidentemente nuestra historia futbolística y su cultura en el balón pie lleva décadas funcionando de manera similar. Es bastante inexplicable que nadie en la dirigencia de la Asociación Uruguaya de Fútbol prefigurara la posibilidad de que pudiera existir un choque cultural entre su forma de abordar el juego y la ideas de fútbol que tiene Bielsa que, además, es argentino con toda la carga simbólica que eso implica para los uruguayos. Mirando desde lejos, da la impresión que los dirigentes al parecer dejaron que el Director se enfrascara en estas discusiones con los jugadores más experimentados, una suerte de reprimenda vicaria, seguramente tenían la esperanza que el DT hiciera el trabajo sucio y aleccionara a los jugadores evitándole hacer ese trabajo a la AUF. Cosa que dado el curso de los acontecimientos no funcionó. Suarez como el chismoso de esta historia entrega igualmente un buen argumento; Bielsa no sabe lidiar con los líderes o jugadores de experiencia y es posible pensar que sea así, puesto que debe tratar a todos los jugadores por igual, no haciendo diferencias. No habría intocables. Algo que en esta época del fútbol personificado en nombres más que en equipos va a contrapelo de todo lo que se estila en la actualidad. Por otra parte al argentino lo veíamos completamente sobrepasado con toda esta parafernalia yanki que está rodeando a este mundial completamente tensionado, que se realiza en medio de una guerra entre Irán y EE.UU, con un genocidio en curso y con una caza de inmigrantes indocumentados en el país de Trump. Icónica fue su foto mirando al piso y no prestándose al ridículo juego comercial que lo está destruyendo todo en este deporte. Así las cosas las hogueras ya estaban preparadas para Bielsa en Uruguay, como en Argentina 2002, el periodismo deportivo charrúa también se divide, algunos ponderan lo que ha hecho el DT otros quieren la ejecución publica en directo y vía streaming. Al igual que la gran mayoría de la afición. Desde los Andes sabíamos que el método bielsístico implicaba la aceptación sin reparos, un acto de fe. Y ese consentimiento en el caso del proceso uruguayo se topó con una cultura futbolística otra, la incomprensión mutua fue inevitable. Nosotros acá vemos la desavenencia final y el quiebre como una posibilidad de re encuentro, aunque solo sea en nuestra cabeza, en una de esas Marcelo Bielsa Caldera vuelve a donde fue tan feliz y querido. ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 27/06/2026
Que Bielsa vuelva donde lo quieren a bien :*(
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 27/06/2026
Más bielsista que nunca loco ✊🏼✊🏼✊🏼✊🏼 #MundialDeFutbol2026
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 24/06/2026
Igual entre Alejandra Pizarnik y Olga Orozco, sin dudar le voy a Orozco. #vengandeauno
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 22/06/2026
Les dejo mi reseña de "La noche del zelota" del poeta Camilo Brodsky publicado hace 13 años por Das Kapital Editores en mi blog :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
La noche del zelota de Camilo Brodsky: la fragmentación poética del horror
Han pasado trece años desde que _La noche del zelota_ de Camilo Brodsky viera la luz por la Editorial Das Kapital, un texto que fue premiado además como obra inédita en 2011 por el Consejo Nacional del Libro y la Lectura. El poemario comienza con las alucinaciones de un zelote, ellos fueron los primeros nacionalistas radicales dentro del pueblo judío, en ese tiempo expoliado por el Imperio Romano y con la aquiescencia de sus gobernantes: los Sumos Sacerdotes, los Saduceos, los Fariseos y los Escribas. Los zelotas estaban dispuestos a usar métodos violentos con tal de lograr la independencia de su patria. Por eso algunos historiadores los declaran el primer grupo terrorista en el mundo. Los mitos se entrelazan con la historia, se dice que algunos conocieron a Jesucristo pero decidieron seguir con su política radical. Las crónicas signan que finalmente terminaron en la cumbre del Masada, en un suicidio estratégico con tal de no entregarse a las autoridades luego de una última revuelta en contra del imperio. Las visiones parecen un apocalipsis sangriento, el hombre se ve a sí mismo desnucado, luego observa la guerras de los campesinos alemanes, la prolepsis lo lleva incluso a contemplar que ocurre durante la Segunda Guerra Mundial y las masacres orquestadas por las SS en Europa del Este y en Polonia sin saber exactamente que está viendo: “No conoce bien Europa / el Zelota” (12). Se ha comentado latamente en varias reseñas (Pino, Fariña, Henrickson y Opazo) el contenido y el significado de este libro, desde nuestra perspectiva nos parece interesante complementar estos puntos de vista relevando la configuración y algunas operaciones escriturales que podemos observar dentro del poemario. Camilo Brodsky En términos de forma _La noche del zelota_ de Brodsky incluye momentos líricos, por ejemplo en el poema “El zelota piensa en las piernas perfectas de Betsabé”: “¡Ay!, las piernas / bien torneadas de la / mujer-amante del rey / fundador de estirpes” (p22), una especie de respiro erótico dentro del libro. O en el caso de “La construcción del silencio”: “Aprender a callar es el arte / más antiguo; y no el silencio / necesario del _coolie_ o el judío amenazado / sino el que teje una estrategia / desde el centro hacia afuera […]”, en donde se homenajea a los que permanecen silentes dentro del sistema, tratando de recomponer la insurgencia de alguna forma y a pesar de todos los obstáculos. También se pueden observar, prácticas de carácter más objetivista como en el poema “John Doe” ­-nombre que se utiliza en EE.UU para hablar de personas sin identidad conocida- aquí se ocupa un fragmento del relato de la ejecución de los mártires de Chicago escrito por el cubano José Martí, adaptado con precisión poética por el autor, allí se nos muestra la salvaje oposición que la patronal siempre va a tener en contra de los trabajadores, contra ofensiva en donde siempre tendrán dispuesta a la justicia para operar: “Les bajan la capuchas, luego una seña, un / ruido, la trampa cede, los cuatro cuerpos /caen y se balancean en una / danza espantable” (p14). La fría descripción del fin de los sindicalistas refuerza lo duro y cruel que puede ser el destino de un luchador social. El texto que da nombre al conjunto “La noche del zelota” igualmente ocupa esta técnica poética objetivista, ya que el extracto que acompaña al título del poema es el fragmento de un cuento corto de terror “Los perros de Tíndalos” del norteamericano Frank Belknap Long. En la narración un científico ocupa una droga para viajar mentalmente a otras eras, mientras en paralelo escapa de estos perros mitológicos, los Tíndalos. La cita reutilizada como poema exacerba la idea de alucinación “Veo hombres de todas las edades, de todas las razas, de todos los colores. Luchando, matando, construyendo, danzando, cantando” (p44) y empalma a la perfección con la representación del zelota vidente. En esta práctica Camilo Brodsky no oscurece la procedencia de la materia prima que ocupa, se dan las notas bibliográficas adecuadas que acompañan estos poemas y de alguna manera se extiende y amplía la red de diálogos y conexiones que puede tener este libro, amplificando de esta forma su resonancia cultural. Con este procedimiento Brodsky solo reafirma que los textos se encuentran entrelazados en una trama de influjos y ecos. Existe de igual manera un ejercicio de poesía de borrado llamado “Crítica del realismo socialista con tacha y subrayado” y se utiliza un documento que es el veredicto de un premio literario en favor de un cuentista, galardón que pertenece a la Unión de Escritores y Artista de Cuba. En el escrito se tachó el nombre del autor aunque si sabemos de su trabajo como obrero de una Unidad de Producción del Instituto Cubano del Libro. Brodsky decide subrayar una definición marxista acerca del arte: “Marx dijo alguna vez […] los artistas no serán únicamente artistas […] laborando modestamente entre las masas” (p58-59) más cercano al concepto de trabajador del arte, como también resalta la opción por las masas populares: “[…] la fidelidad al pueblo […] la única fuente de la literatura verdadera” (p59). Primero de mayo, Plaza de la revolución, La Habana, 1963 Así mismo se reescriben frases y se reutilizan citas de poemas para nuevos textos, es el caso de “El metal tranquilo de su voz” frase rescrita que proviene del propio Salvador Allende en su último discurso del 11 de septiembre de 1973. La alocución real fue la siguiente: “Seguramente Radio Magallanes será acallada y el metal tranquilo de mi voz ya no llegará a ustedes. No importa. Lo seguirán oyendo. Siempre estaré junto a ustedes.” En este mismo texto se incluye una cita al poema “48” de Gonzalo Millán perteneciente a su libro _La ciudad_ (1979) el verso escogido: “El río invierte el curso de su corriente”. Aquí este nuevo poema actúa como una trenza de la memoria, se entrelazan los datos históricos y políticos que se saben de ese aciago día 11 de septiembre de 1973. La imposibilidad de las fuerzas que acompañaron a Allende a resistir el golpe de Estado de forma conjunta lo que desemboca en el papel clave que tomo el mandatario ese día : “El Presidente que no tenía / vocación de mártir / toma su puesto de combate y un casco / entre el polvo y los balazos” (p70), estos hechos se combinan con memorias familiares, clanes jugados completamente por el proyecto de la Unidad Popular y que pagan precios altísimos por esas convicciones: “[…] Allanan y destruyen / todo. / Le salen caras a mi abuela / la militancia comunista y sus responsabilidades / en la JAP metropolitana. / Muere tres años más tarde.” (p69) Salvador Allende Dentro del conjunto también se pueden leer poemas de carácter confesional, en un tono menos lírico, pero que complementan la idea general del texto, allí un zelota del presente, una suerte de sobreviviente rencarnado continua su vida cotidiana en “Villa Galilea”, un enclave barrial cerca de la cordillera en Santiago de Chile. En ese contexto esta voz, recuerda, mira y piensa el estado actual de los acontecimientos que le tocan vivir: “Quisiera ser Walter Benjamin y pasear / por las galerías comerciales de Santiago / develando el carácter perverso del capitalismo.” (p66) La utilización de estos ejercicios poéticos exacerba el sentido de fragmentación en la construcción de estas memorias del zelota, una voz que por momentos posee el poder de los _highlander_ escoses de vivir, revivir y pervivir durante los hechos más traumáticos de la historia mundial, mostrándonos que el ciclo de la violencia nunca se detiene ni ceja y se incorporan nuevas formas de la misma. Así en la actualidad se entrelazan Auschwitz y Gaza, como también Vietnam e Irán, la caza de judíos por la caza de inmigrantes en EEUU, el ascenso del fascismo, por el ascenso de una ultra derecha radical. Su noche la entendemos muy cerca de la nuestra y los puntos que señala nos mantienen alerta en medio de este reflujo autócrata. Auschwitz ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 13/06/2026
Una nueva reseña de mi libro "Horario Continuado" escrita por Claudia Pérez en la página Esquina Sur perteneciente a la Escuela de Periodismo y Comunicaciones UGM :) esquinasur.cl/2026/06/11/horario-co…
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 06/06/2026
El Indio Solari x Leila Guerriero en el 2023
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 06/06/2026
6/6/2026 :O
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 05/06/2026
Carlos Alberto "Indio" Solari falleció el día de hoy a los 77 años, fue uno de los próceres de la música y la cultura trasandina, al nivel de Spinetta o Mercedes Sosa. Mariana Enriquez escribe una lúcida crónica en torno a su figura, que en estos momentos se agiganta y se vuelve eterna :) […]
mastodon.social
Original post on mastodon.social
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 05/06/2026
Abriguen a Jorge González se los pido por favor 🙏🙏🙏🙏🙏🙏🙏
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 05/06/2026
Ayer Marjane Satrapi hoy el Indio Solari, basta 2026 déjanos en paz :(
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 30/05/2026
Mi reseña de "Pasajes" en 35 Milímetros :) www.35milimetros.org/2026/05/pasaje…
35milimetros.org
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 27/05/2026
Cuando gobierna la derecha campean los libros de autoayuda y el coaching ontológico del mal. #DatosNoOpinion
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 20/05/2026
Respeten los rangos y soporten 😎😎😎
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 15/05/2026
Les dejo mi reseña de la película "Pasajes" con las actuaciones de Franz Rogowski, Adèle Exarchopolus y Ben Whishaw :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
Pasajes, anatomía de una toxicidad
_Pasajes_(2023) película dirigida por el director estadounidense Ira Sachs, retrata un triángulo amoroso entre una pareja gay de larga data y una chica joven en Paris. Tomas -interpretado por el actor alemán Franz Rogowski- es un director de cine que está terminando su última película y que enfrenta todo el estrés de ese proceso. Por su parte su marido Martin, actuado por el británico Ben Whishaw, lo acompaña en ese momento desgastante del proceso, es en ese vorterix temporal que entra en escena Agatha interpretada por la francesa Adèle Exarchopolus y se desatará un vaivén de emociones, en donde la constante es el transitar en bicicleta de Tomas de un lado a otro por la ciudad en medio de esta intríngulis amorosa. El director alemán queda representado como una persona movida principalmente por su ego y sus deseos, con una suerte de apetito voraz por las nuevas experiencias, Tomas se lanza como un adolescente a todo lo que considera desconocido y fascinante casi sin medir las consecuencias de sus actos. Por ese código de conducta de “dejarse llevar” termina en el cuarto de Agatha después de la fiesta de finalización del rodaje. Concentrado principalmente en él, Tomas se ofusca porque su esposo no decide ser su confidente en esta nueva aventura heterosexual, entendemos que podría existir el acuerdo de tener una relación abierta por parte de ellos, pero vemos en la consternación de Martin, que le resulta prácticamente imposible escuchar semejante relato que, a lo mejor, es una negociación imposible de llevar a cabo por uno de los involucrados. Observamos a este personaje en gran parte del filme tratando de sobrellevar el acompañamiento a ese artista ególatra que sin embargo ama. Agatha, extra del filme de Tomas y profesora de básica -interpretada por Exarchopolus- , es el otro vértice de este triángulo y el personaje desde un principio es delineado con carácter. A solo empezar el metraje, vemos como Agatha corta una relación con un chico con el que estaba saliendo porque a ella no le hacía sentido seguir con él. La actriz francesa pone una presencia escénica potente junto con una sensualidad y un sentido de libertad y logramos entender, en términos visuales, porqué Tomas se zambulle en esa aventura. Destacada es la escena del segundo encuentro íntimo que tienen Agatha y Tomas, que se da en medio de un contexto de trabajo por parte del director, dando un carácter de arrebato e improvisación al acto. La escena sexual nos remite a la ya galvanizada imagen de Miguel Bose y Victoria Abril en _Tacones Lejanos_ de Almodovar, en donde entre medio de bastidores y con un Bose desmontándose de su vestimenta de mujer hace el amor con Rebeca. La estampa que presenciamos entonces es de un carácter completamente fluido y queer, la misma impresión que nos genera el encuentro entre Tomas y Agatha. Pero la historia va avanzando en círculos concéntricos hacia el descontrol más absoluto por parte del director y vemos como el sufrimiento comienza a apoderarse de la trama. Contemplamos como Tomas en un momento de la película va y viene entre los encuentros con Martin y con Agatha, cambios de amante y de locación que solo le generan más desconcierto y perplejidad, se comprende porque en un momento el personaje queda al centro de una completa confusión e inconscientemente quiere sostener la ganancia para sí de este enredo. El esposo le da un hogar, una seguridad y un lenguaje común en torno al desarrollo de sus artes, la chica le entrega una llama de pasión y sensualidad completamente inesperadas en su recorrido gay, que entendemos en este punto como su propio desconocimiento de una posible bisexualidad. La historia se complejiza aún más con el embarazo de Agatha, entran en escena la familia de la chica, un padre que no puede entender como su hija ha escogido a un tipo separado de un marido como papá de su hijo y una madre que quiere saber qué va a ocurrir emocional y económicamente con su futuro nieto. A Tomas lo vemos por momentos que se siente en medio de una pesadilla heterosexual, padeciendo cada una de las responsabilidades que implican vivir con una mujer que en varios meses dará a luz a su hijo. El personaje sale disparado a los brazos de su antiguo esposo. Agatha por su parte, comienza a palpar las zonas de áspera realidad de lo que significaría seguir más formalmente con Tomas. Pero como ya lo señalamos antes, el cineasta lo quiere todo y tratara con estrategias y argucias de salir beneficiado en desmedro de dos personas que lo aman. La película en clave de fábula, nos muestra ácidamente cuál podría ser el final para esos ególatras desmedidos e intensos que no calibran las consecuencias de sus actos, pero que en el fondo saben de las trampas que hacen y de las repercusiones que les podrían llegar por sus trucos._Pasajes_ nos hace transitar por esas calles de París mientras acompañamos a este encantador timador emocional que pronto no tendrá escapatoria, de esta forma, la películanos descubre la anatomía de una toxicidad en el siglo XXI, en plena crisis vincular y con muchas más incógnitas que certezas. ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 12/05/2026
¿Cuán de fracasado es un gobierno de derecha en Chile? Cuando ocupan la carta del Partido Comunista para echar las culpas de su propia ineptitud. #DatosNoOpinion
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 04/05/2026
Mi reseña de María Magdalena ahora por el sitio 35 milímetros :) www.35milimetros.org/2026/05/maria-…
35milimetros.org
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 01/05/2026
Hay más distopia dentro y fuera de nuestro país, pero a pesar de todo, este primero de mayo seguimos con las convicciones intactas. #1deMayo2026 #1deMayoDiadeLosTrabajadores
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 29/04/2026
Un ejemplo de moral católica schoenstattiana. Fin. www.cooperativa.cl/noticias/pais/go…
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 26/04/2026
Les dejo mi reseña de la película "María Magdalena" con las actuaciones de Joaquin Phenix y Rooney Mara :) omnivoracultural.wordpress.com/2026…
omnivoracultural.wordpress.com
María Magdalena (2018) la testigo inclaudicable
En 2018 se estrenó la película de _María Magdalena,_ dirigida por Garth Davis y con los protagónicos de Joaquin Phoenix como Cristo y Rooney Mara como María Magdalena. El guion que fue trabajado por las escritoras británicas Helen Edmundson y Philippa Goslett nos adentra en la vida de una mujer judía en el año 33. A María se la puede ver habitando una vida con su familia, posiblemente la hermana de al medio de un clan de pescadores, ella trabaja pescando en las orillas del mar de Galilea junto a sus hermanas y cuñadas, de pronto comienza a saber de a oídas sobre un sanador y se da cuenta que uno de sus parientes ha comenzado a frecuentarlo. Con hábil pluma el libreto retrata la complejidad de ser mujer en un mundo construido por los hombres, en medio de la antigua Palestina, en ese tiempo asediada por el Imperio Romano. María no se ha casado aun, ayuda a su padre viudo al cuidado de su casa, pero se espera de ella que siga la senda social instaurada para las mujeres judías de su tiempo. A ella no le interesa ese camino y el saber que su padre insiste en la posibilidad de un enlace con un conocido suyo la llena de ansiedad. María Magdalena (Rooney Mara) y Judas (Tahar Rahim) Los familiares al darse cuenta que ella no quiere casarse, suponen que tiene un demonio que no la hace comportarse como el resto de las mujeres. Le mienten para llevarla a una sesión de exorcismo a la orilla del mar en la madrugada, donde el primogénito del clan más que ayudarla parece que la quiere ahogar. Después de la violenta sesión espiritual otro de los hermanos le pide al padre llevar al sanador ya que podría curarla de su afección. Así de manera ficcional, se encuentran por primera vez María Magdalena y Cristo. Jesús le pregunta a qué le teme y la mujer le señala que es todo lo que tiene dentro de sí; sus pensamientos, sus anhelos, sus temores y darle vergüenza a su familia por no ser como debería. Cristo insiste interpelándola sobre cuál era su anhelo, aunque duda, María logra formular la frase esencial: “Conocer a Dios”. Joaquin Phoenix interpreta a un Mesías que si bien tiene poderes espirituales y sobrenaturales van aunados a su condición humana y por momentos se cansa, tiene pena, confusión o le invade la ira. Como en la escena del templo, cuando ve la mezcla de animales sacrificados, con los matadores embadurnados de sangre, que lo prefiguran a él en su propia condición sacrificial más el intercambio de dinero, le provocan una ira mezclada de rabia y desconsuelo con asco. Jesús (Joaquin Phenix) Rooney Mara logra dar con el tono de esta María Magdalena que por decisiones de trama fue completamente aparta del personaje de la prostituta que fue salvada por Cristo de ser apedreada. Nos parece una decisión atinada, ya que al ser más que una víctima amparada, la pone en situación de sujeto que toma resoluciones en su vida. Así la vemos cuando decide seguir al Mesías para tristeza e incomprensión de su familia. Vemos como es bautizada por el propio Cristo y como naturalmente habita el círculo de los apóstoles ayudando a Jesús para que él también le pueda predicar a las mujeres. Entrañable es el momento cuando descubrimos en que uno de los apóstoles más gentiles y empáticos con ella es Judas Iscariote, interpretado por el francés Tahar Rahim. El futuro traidor de Cristo viene de un pasado trágico; su esposa e hija fallecieron en una hambruna ya que tuvo que pagar su impuesto en semillas a los romanos. Pero en ese momento cree de forma fervorosa en el Redentor, eso sí, entiende la salvación de manera completamente concreta, Jesús será el libertador de Israel y pisoteara y humillara al Imperio. Cuando logre ese cometido su hija y su esposa resucitaran y las podrá volver a ver. Pedro, actuado por Chiwetel Ejiofor, es otro personaje singular, claramente actúa como uno de los líderes, pero al principio mira con mucha desconfianza a María Magdalena, piensa que puede dividir al grupo y que tiene ciertas intenciones románticas con Jesús. Clave es la escena cuando ella es integrada al grupo y escucha una conversación de los doce sin el Señor presente, rápidamente se da cuenta que hablan como si fueran soldados que planean un levantamiento insurgente. A María, que ya ha tenido varias pláticas a solas con el Maestro, le parecen los comentarios de sus hermanos un tanto extraviados de los propósitos de Cristo y así se lo hace saber a él mismo cuando le pregunta de qué hablaba el grupo. Pedro (Chiwetel Ejiofor) La relación de Jesús con María Magdalena es la alegoría de la relación que tiene un creyente con lo sobrenatural, Mara y Phoenix logran dar con la interacción actoral que representa la metáfora de la vida espiritual de un seguidor de Dios. El profundo amor que le profesa Cristo a María está en reciprocidad con la adoración que tiene María por su Maestro. La película entrega esa perspectiva femenina de profunda empatía y escucha que tiene la discípula, lo que la hace comprender las cosas espirituales de una forma distinta a la de sus compañeros de ruta. Se ve el amor pero es más allá de toda categoría, es la relación espiritual de Yahvé con su hija amada. Pero la Pasión está cerca, los apóstoles suponen que viene una liberación radical del pueblo, para Cristo es su momento de entrega por amor a su Padre celestial y a la humanidad, dos anhelos que se contraponen. María Magdalena observa todo lo que acontece. Estamos a punto de presenciar una tragedia humana con visos de incomprendida eternidad. Ciegos de futuro, la tragedia del maestro traicionado, vendido, negado y crucificado golpean a todo el grupo. María sufre un derrumbe físico al comprobar que era Jesús el hombre que lleva el madero para que se le cumpla la sentencia de muerte en el Gólgota. Aunque en un primer momento el shock la supera, de pronto recuerda su palabra dada de acompañar a su Rabí y termina a los pies de la cruz junto a la madre del Cristo. El bautismo de María Magdalena Llega la zozobra a todos, atravesado por la culpa Judas pone fin a su vida, la Magdalena se sostiene en acompañar el sepulcro hasta ese tercer día que cambio la realidad de la humanidad para siempre. La narración es muy sencilla; María despierta y ve a lo lejos un hombre con una túnica albina y prístina, era evidente, el Maestro había resucitado. Luego de hablar con Jesús corre hacia donde estaba el resto de los apóstoles escondidos y temerosos. Juan, el apóstol adolescente es el primero en creerle a María, Pedro pone reparos y se produce una pequeña micro fractura en la naciente iglesia de Cristo, la discípula se da cuenta que aún están afectados por lo terrible de lo vivido en esos últimos días y que ella, al ser mujer, es cuestionada en su calidad de testigo. Ella reafirma, delante de todos, el mensaje espiritual que entendió del Redentor, basado en el amor al prójimo mas que a cambios de régimen, poniendo su fe en que eso tarde o temprano cambiaria al mundo. Y sale de ese lugar con la convicción de proclamar a los cuatro vientos la Resurrección de Jesús. _María Magdalena_ a través de un gran guion, en donde se nota la mirada femenina de Edmunson y Goslett, nos plantea la Vida Pública, la Pasión, la Muerte y la Resurrección de Cristo desde el prisma de esta mujer judía que, al encontrase personalmente con Jesús, cambió por completo su existencia. Las guionistas con hábil y creativa visión plantean un cotidiano epocal que percibimos posible o al menos verosímil, de esta manera, podemos acompañar a María Magdalena en su camino de conversión y seguimiento de ese Dios que cambio el curso de la historia. ### Comparte: * Compartir en X (Se abre en una ventana nueva) X * Comparte en Facebook (Se abre en una ventana nueva) Facebook * Compartir en WhatsApp (Se abre en una ventana nueva) WhatsApp * Compartir en LinkedIn (Se abre en una ventana nueva) LinkedIn * Me gusta Cargando... ### _Relacionado_
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 16/04/2026
Kast le habla a los multimillonarios, el resto que nos jodamos. Supongo que esa es la ética que le enseñaron en Schoenstatt
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 14/04/2026
Kast no sabe cuáles son los conocimientos q desconoce, x eso no vieron ningún problema en irse a vivir a la Moneda, ni siquiera se les pasó por la mente q la opacidad del uso d algún tipo d recurso público (llámese dinero o trabajadores) les podría generar cuestionamientos.
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 04/04/2026
La gente: "El gob va a terminar pidiendo ayuda a la UDI y RN". Kast no es Boric, es 1 talibán integrista ultramontano y pinochetista q piensa q todo lo q ha ocurrido en los últimos 15 años ha sido un error para Chile. Solo lo veo creando + crisis para llevar autoritaria % el gob
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 31/03/2026
Si después de esta horrenda entrevista con las radios sigue bajando va a dar entrevista solamente a los relacionadores públicos del gobierno, léase periodistas de Canal 13 y 9. Y se acabara por completo la facultad de contra preguntar.
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Carolina Reyes Torres @carolinareyestorres.mastodon.social.ap.brid.gy · 29/03/2026
¿Es real que en estos momentos atacan a Israel: Irán, Irak, los Hutíes en Yemen y Hezbolá en el Líbano? #preguntaseria
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